世界很复杂，但是艺术家不是要还原世界而是通过事物来创作自己心灵的世界。画家们希望通过画面，使人明白，作品创作的题材并不重要，重要的是作品是否给人以想法。他们集中精力描绘那些静止的东西，不断地修改结构，追逐色彩，通过捕捉那些简单事物的精髓，流溢出一种温暖的、令人感到亲近的真诚。

而其实静物画一度被认为是低下的画作，而纵观整个绘画发展史，静物画作也确实是少之又少，但是随着一代代画家的努力，再加上人们审美心态的变化，人们开始体会这种美的象征意义。那么究竟这些画作有着怎样的象征意义呢？又有那些经典的静物画名作？今天的文章将为你一一解答。

一、《虚无的静物与挑刺的男孩》

彼得·克拉斯 / 1628年 / 现收藏于阿姆斯特丹国立博物馆

虚无传达的是世间财产的转瞬即逝、徒劳无功。时间的快速流逝以及无可逃脱的死亡，这一观念到了17世纪，就发展成了一种羽翼丰满的流派。其标志性的表现手法是在昂贵的水果以及其他食物、时髦的盘子、盛开的鲜花和其他奢饰的东西中加入富有意味的物品。这些绘画表达了双重的讯息：欣赏你周围的美，但是，永远记住，它是短命的。

这一静物画也告诉我们一些有关艺术家这一行业的东西——尤其是各种各样的训练阶段。徒弟们首先学习调和色彩，然后才画复制品的速写以及对着三维空间的雕塑画素描。这些阶段在这里都有表现。

这幅作品几近为虚幻符号大全：骷髅和人骨提醒我们某天也将死亡；钟表和冒烟的油灯恰似空玻璃杯一样，意味着在我们还未了解之前生命就结束了，就是时光飞逝的象征。这里的小提琴，鲁特琴和笛子——也与短暂性相关，因为还有什么比音乐更为转瞬即逝呢？

二、《有牡蛎、柠檬核银杯的静物画》

威廉·克拉斯·赫达 / 1667年 / 现收藏于洛杉矶美术博物馆

赫达是荷兰17世纪黄金时期中最具才华的静物画家之一。鲁本斯拥有赫达的两幅静物画，它们可能挂在他的厨房李，此厨房也用做他的餐厅，在哪儿，我们可以想象，他和一起用餐的人讨论艺术品：不仅仅是谈画家高超的技巧，而且也谈健康食品的重要性，后一点是人本主义者鲁本斯特别感兴趣的一个主题。

在放着牡蛎的锡盘后面，一个打破了的玻璃杯横躺在桌上；这不是赫达经常运用的一种母题。碎片或许是暗示生命的转瞬即逝，或者直接就是赫达展示非凡捕捉光影效果能力的契机。同时，打开的牡蛎一下子展示了三种肌理：粗糙的贝壳、里面光滑的珍珠母以及软体动物本身。削了一半的柠檬也是如此。

半杯的葡萄酒杯以及右侧背景上也是半满的啤酒杯可能是暗示节制的重要性。但是，在这样的静物画中寻求一种教诲或讽喻的含义或许太牵强附会了：如果这是艺术家的本意，那么这些东西就会表达得更为显然。比较有可能的是，赫达只是选用这样的画法，以便使他得以画出更多更多类型的反光。譬如，在葡萄酒杯上，我们看到了透过画室窗户进来的光线。

三、《铜水箱》

夏尔丹 / 1733年 / 现收藏于法国巴黎卢浮宫

有位评论家说过，在夏尔丹之前，法国只有静物，直到有了他才开始了“静物的生命”。这就是夏尔丹静物画的魅力所在。他30岁以后所画的静物，大多是中产阶级常用的物品，经他一再描绘，它们的幻象显出很强的“生命感”。

在这幅《铜水箱》中作家真实地表现了水桶表面油漆剥落的块块疤痕，他以朴实的色调、忠实的造型描绘了普通人所用的水罐。这个水罐实在太寻常了，就像他的碟子、水果、面包、酒瓶、刀叉那样普通到人们天天在用、司空见惯却谁都不会在意它们的存在。但正是这种如海德格尔所说的器具的“上手状态”，即在用途中，人对它们想得越少，对它们的意识越模糊，它们的存在就越真实，就越能揭示出人的实际生活世界。夏尔丹的画面就构成了一个“世界”，而这个世界便是一种家的感觉。

作为法国第一个赋予静物“生命”画家，夏尔丹的静物作品显现出特有的静态生命。在这件作品中为了表达静止物象的“生命”，抹去富贵气息，以无限深厚的感情去描绘那些平凡而无声的朋友，在画中尽量不用浓艳的色彩和闪光的器皿摆设，使静物展现其自身本来的面貌。

四、《鸢尾花》

文森特·梵高 / 1889年 / 收藏于保罗盖兹美术馆