这幅《鸢尾花》被称为梵高在“圣雷米时期最伟大的作品之一”，它远远地就能吸引住你的目光，色彩丰富，线条细致而多变，整个画面充满律动及和谐之美，洋溢着清新的气氛和活力。《鸢尾花》的构图，呈现倒品字形的构图，三个紫鸢尾花群形成有分有合的群落，似连非连。而在三丛紫鸢尾花中，只有一朵白色的鸢尾花。白色的鸢尾花很少见。”

留美学者汤本，对这样的构图有一种猜测：“这，也许，也有这样一层含义，是梵高自己对人生的感受，杰出者永远是孤独的，他只要求自己自立，但他无意蔑视其他的群体，他（她）愿意和群体合立在一起，他（她）的皎白的美，是天意使然，一朵白，和一群紫，互为映衬。”

这位专家说的不无道理，鸢尾花和向日葵一样，原本都是很平凡的植物，但梵高赋予它们精彩的形象与色彩以及永恒的生命力，是这位一生都在痛苦与挣扎中度过的画家对大自然的赞美，对美好生活的向往，仿佛是一位黑暗中孤独的舞者内心里无语的倾诉。

五、《苹果与橙子》

塞尚 / 约1895-1900年 / 现收藏于法国巴黎奥赛博物馆

由于画模特儿时人会动，这使塞尚很恼火，所以他多画静物，他认为：“线是不存在的，明暗也不存在，只存在色彩之间的对比。物象的体积是从色调准确的相互关系中表现出来”。

这些对后来的立体主义的基本理论，也就是画家必须自己在大自然中，寻找圆柱体、球体、圆锥体，有了启发。

从《苹果与橙子》可以看出，他以色彩的明暗对比，及不同颜色的安排来表现静物之间的关系。白色的盘子，桌布和苹果、柳橙，在花色及较为深色的背景衬托之下，更显画家对各物体间的秩序安排。在这幅画中，整体关系犹如一张网络，所有物象在网络上各得其所，任何细节和局部似乎都不可随意挪动，否则，整个结构便会失去平衡。

此外塞尚按照他自己的绘画方法创造了一种“反透视法”，他不是创造观赏者进入画里面去的深度，而是创造被他所描绘的物和人向观赏者走出来的印象。

如此一来，观赏者目光自然就被吸引到画中的多个不同物体上去了。这样，在白桌布上熠熠发光的橘子和苹果，一下子跌入眼中，而不是先把目光停在盘子，水果盆、瓷罐等物品之上。

六、《瓶子、玻璃杯和小提琴》

毕加索 / 1912年 / 现收藏于瑞典现代艺术博物馆

在这幅画上，可以分辨出几个基于普通现实物象的图形：一个瓶子、一只玻璃杯和一把小提琴。它们都是以剪贴的报纸来表现的。在这里，画家所关注的焦点，其实仍然是基本形式的问题。但是，这个问题此时却是以一种全新的态度来对待。

他不再以现实物象为起点，将物象朝着基本元素去分解。这就是说，他在表现出瓶子、杯子及提琴之前，就已经把一个抽象的画面结构，组织和安排妥当了。通过对涂绘及笔触的舍弃，他甚至获得一种更为客观的真实。他采用报纸、墙纸、木纹纸，以及其他类似的材料，拼贴出不同形状的块面。这些块面，一方面显示着画以外的那个世界，另一方面则以其有机的组合而显示出画的自身世界的统一性和独立性。

在这种拼贴语言的运用中，毕加索显然比别的立体派画家更为大胆和富于幻想。别的画家在拼贴不同的纸片时，多少要顾及到是否符合现实逻辑的问题，他们总是把木纹纸限于表示木质的物品。而毕加索则全然摆脱这种约束。在他的画上，一张花纹墙纸可用来表现桌面，一张报纸也可剪贴成小提琴。

七、《长颈瓶上的花束》

奥迪隆·雷东 / 1912年 / 现收藏于巴黎卢浮宫

这幅色粉画是奥迪隆·雷东的作品，雷东的静物画主要依靠想象，而不依靠视觉的印象，他丰富的感情把色彩的幻想发挥到了极点。他的油画和粉笔画，效法印象派绘画的静物、花草等方法，注重光色，色彩富抒情味，曾受到马蒂斯的赞赏。这里要欣赏的静物《长颈瓶上的花束》，是我们领略这方面艺术特色的极好范例。

这幅瓶花是画家去世前4年所作，长颈瓶中一束从野外采摘来的多种鲜艳小花，发出了艳丽耀眼的光彩，显示出热情、温和、纯洁和高贵的美，这是纯真人格的化身，是一首热情洋溢的抒情曲。他画的色粉笔花卉，具有一种朦胧感，它们出现在某个空间，但没有固定的位置，天空就像梦中的花园。长颈瓶上的花束，色彩耀眼明亮，不像是一种植物的本性。它体现着画家内心的欢快感情。他说过："超自然的东西不给我以灵感。我观察外部世界，我以真实的事物，来展示我投向梦中的事物，它是我自己生命的扩大。

八、《静物》系列

乔治莫兰迪 / 私人收藏